If what they say is true, and a picture is worth a thousand words, Thibaut Grevet wants his images to speak for themselves. Each houses its own universe, adrift between our lived reality and somewhere more sublime. Long-exposured bodies cascade in tight ribbons; stares on closely cropped faces cut through fields of grain, while others dissolve and bleed softly into themselves. In letting the frame slip he makes paradoxically precise the feeling of living inside a moment rather than simply observing it.
Nacido en el campo francés y ahora radicado en París, el director-fotógrafo llegó a la cámara por su cuenta, tomando el instinto y el interés puro como sus maestros. De niño, recogía la videocasetera VHS familiar para grabar rutas de motocross y clips de skate. En la universidad, estudió diseño gráfico, donde pasó de ordenar imágenes a crearlas. Ahora es un pilar editorial —y, sin embargo, todo esto, me dice, nunca formó parte de su “plan.”
Hay algo eterno en la forma en que Grevet captura a sus sujetos, ya sea trabajando en una portada, un video musical, una campaña o un proyecto personal, como Blurred. Su lista de clientes es extensa — que va desde ciclistas BMX y coches Mercedes-Benz, los pesos pesados del rap, etiquetas de streetwear y casas de lujo — y aunque ha prosperado en este mundo de alto brillo, no permite que la magnitud de sus proyectos pese sobre su visión.
La llamada del New York City Ballet llegó en el momento “perfecto” de su carrera. Grevet fue invitado a participar en su Serie de Arte anual y a crear una serie de obras para la compañía, que serán publicadas en Ballet, su segundo libro de fotografía que se lanzará el próximo mes. Aunque nunca había trabajado con bailarines de ballet antes, la oportunidad se presentó como una unión natural entre su pasado y su presente artístico: la corporeidad y la athleticidad cruda se encuentran con una composición controlada.
En el Lincoln Center, el aplauso se eleva para Grevet mientras da un paso a esta nueva iluminación teatral. Antes de una de las funciones especiales de la Art Series, se le pide hacer una reverencia ante el aforo completo. Incluso con un montaje de cuatro pisos colocado justo más allá de las puertas, se mantiene humildemente en su asiento. Es su forma de conservar un aire de misterio alrededor del artista, mientras las fotos hablan por sí mismas.
En este Through the Lens, Hypeart habló con Grevet para aprender más sobre su práctica, su primera incursión en el mundo de la danza y los códigos, o la falta de ellos, detrás de la toma perfecta.
“It really comes down to curiosity — trying things out and being a bit innocent about it.”
¿Puedes describir tu formación artística? Oí que estudiaste diseño gráfico, lo que te llevó a la fotografía?
Es romántico decirlo así porque no tenía idea de lo que quería hacer después de la secundaria. No estudié fotografía ni cine ni moda. Solía grabar con amigos, pero era solo para divertirme y aprender.
Terminé en una escuela que tenía un programa de diseño gráfico y me enamoré de hacer maquetación. Más tarde, fui becario de diseño en una revista, donde tuve más exposición a videos y fotos. Todo terminó volviendo a su origen.
No digo que tenga todo el conocimiento fotográfico. Para mí, realmente se reduce a la curiosidad — probar cosas y ser un poco inocente al respecto. Aún sigo aprendiendo mucho.
¿Qué otros caminos te ha llevado la curiosidad?
Una vez en un set tuve dificultades para explicar mi visión, así que aprendí 3D. No es nada increíble, pero ahora puedo comunicarme mejor con el diseñador de sets. Es lo mismo con el idioma; aprendí inglés viendo tutoriales de After Effects y Premiere.
¿Cómo fue tu entrada en la moda?
Vans fue la primera marca con la que trabajé. Ellos hacen surf, skate y BMX, y me sentí ligado a eso porque crecí practicando todos estos deportes.
¿Cómo logras equilibrar el trabajo comercial y el personal?
Hoy en día, es más aceptable ser más artístico y hacer trabajo comercial, pero antes no era así. Si eres director de publicidad, no dirigirías una película, pero esa línea se va desdibujando cada vez más.
Nunca esperé esto, así que puedo dejar que las cosas fluyan. Recuerdo haber visto Billy Elliot en su día y, ahora, 20 años después, terminé teniendo una exposición en el New York City Ballet. Tal vez hay una energía invisible que te impulsa allí. El ballet, por supuesto, está completamente fuera del mundo del skateboarding. Es totalmente diferente.
“If an athlete is risking their lives to do a trick, you can’t miss the shot.”
Ya sea fotografiando ciclistas o bailarinas, ¿cómo temporizas la toma perfecta?
Cada deporte tiene reglas sobre cómo capturarlo, por lo que fue un reto asegurarte de poder traer tu visión al ballet sin dejar de respetar los códigos detrás de él. También se trata de práctica y de tener la habilidad de hacer clic en el momento justo. Si un atleta está arriesgando su vida para hacer una maniobra, no puedes perder la toma. No hay una guía de usuario, pero tienes la sensación de que hay algo que hay que capturar. Lo he aprendido por mi propia experiencia.
¿Tienes alguna regla o código para tu propia práctica? ¿Algún ritual o rutina?
No tengo una rutina real, intento dejar que lo inesperado suceda. Pero en esta etapa de mi carrera, especialmente con el cine, necesitas planificar todo lo que quieres: el fondo, a quién quieres fotografiar, cómo se visten. Cuando voy a un set, intento estar lo más preparado posible, y hay una parte de mí que funciona por intuición. Para el ballet, planificamos un efecto multicámara, una caja negra y flash sincronizado. Pero las tomas en primer plano y la postura de las bailarinas surgieron en el momento.
¿Cómo nació tu New York Ballet Art Series?
El ballet me pidió fotografiar la nueva temporada, y luego la Art Series directamente. Grabamos todo el proyecto en febrero de 2024. Fue bastante especial, todo el equipo fue increíble.
Comencé a trabajar en esta industria haciendo videos de skate, viajando con una mochila, y luego me adentré en la moda. El ballet mezcla estos dos mundos; es un deporte, pero tan cercano al mundo de la moda por la forma en que se visten, actúan y posan, y aun así hay una autenticidad alrededor de ello.
Te mueves de forma instintiva como fotógrafo, lo que te hace adaptable a una amplia gama de sujetos. ¿Hubo algo que te sorprendió del ballet?
Lo asombroso de las bailarinas es la forma en que pueden usar su cuerpo para encajar en los mejores aspectos fotográficos — posicionar sus dedos, manos o hombros, saber exactamente cuánta tensión poner en la pierna. Ellos entienden cómo reacciona el cuerpo a los ojos de la audiencia, y lo mismo se puede decir de la cámara.
El ballet toma una gran inspiración de la conducta humana, lo que facilita la fotografía. Me inspiró Gjon Mili, quien entendía cómo crear y descomponer movimientos, todo lo que sucede entre medio, lo cual es clave en la danza.
“When you do what I do, you need people that can be your family, your friend or your collaborator. ”
¿Puedes contarme más sobre “We Exist In Time,” la película que creaste para la serie?
La campaña se llama “Performance,” así que cuando empecé a escribir la película, separé ese concepto en capas. La calma al inicio refleja el momento de la preparación en cualquier deporte. El stop motion representa la práctica y la repetición. Todos recuerdan la secuencia porque, mientras filmábamos, gritaba: “Y vamos. Y vamos”, cada segundo. Después, hay un momento en el que aguantas la respiración y te preparas para saltar, así que al final, utilicé un efecto multicámara para cubrir más en una sola toma.
La película es una metáfora de la performance. Me llevó casi nueve meses editarla, pero fue realmente especial y estoy muy orgulloso. Es el tipo de proyecto que no aparece muchas veces en la vida.
Al establecer conexiones entre deporte, arte y performance, la serie hace que el ballet sea más legible para quienes no son bailarines. Tu trabajo en música y arte ayudó a atraer a muchos asistentes que no esperarías ver en el ballet.
Exactamente. Incluso algunas de las personas a las que invité nunca habían ido al ballet en Nueva York. La curación del programa es muy inteligente porque atrae a un público más joven.
¿Quiénes son algunas figuras notables en tu propio viaje como artista?
Cuando haces lo que hago, necesitas gente que pueda ser tu familia, tu amigo o tu colaborador. Trabajo mucho con este cinematógrafo, Joao De Botelho, y con Pierre Nowak, un director de iluminación. Esas dos personas han estado contigo durante siete años.
Tengo una buena cantidad de trabajo ahora y a la gente le encanta lo que hago, pero nada se siente grabado en piedra. Puede haber soledad al enfrentar tu trabajo, tu propio trabajo. La razón por la que estoy aquí es gracias a las personas en las que puedo confiar.
¿Cómo navegas esas dificultades?
A menudo estoy en París, pero voy al campo tanto como puedo. Tengo amigos allí que no tienen nada que ver con esta industria. Mis vecinos vienen a decirme cómo recoger y comer setas del bosque. La gente allí tiene una vida más simple. Es un anclaje, y eso es importante para mí.
“Lo único que me importa ahora es construir algo que perdure.”
¿Cuál sería un lugar de ensueño para exhibir tu obra?
Un museo.
Más allá de tus campañas recientes, ¿tienes otros proyectos personales en marcha?
Todavía hay muchísimo que me gustaría hacer. Mi mayor deseo es crear un espacio, tal vez un taller, donde pueda reunir a artistas. He estado trabajando en conceptos para un libro llamado Far. También siempre he querido hacer un largometraje. No sé si lo haré, pero eso ha estado rondando en mi cabeza.
¿Cuál ha sido el lugar más loco al que te ha llevado tu carrera?
Es difícil decirlo; todavía estoy en ello. Cuando estoy fotografiando solo o con un amigo, estoy tan enamorado como cuando trabajo en una gran producción. Ahora que he hecho esta exposición y he trabajado en proyectos locos, lo único que me importa ahora es construir algo que perdure.
Todas las fotos cortesía de Thibaut Grevet y Division para Hypeart. Imágenes de instalación por Andy Romer para el New York City Ballet.
